El reconocido galerista Hilario Galguera, en un acto de confianza y de complicidad, apodó “Memo” al artista Willem Boel, originario de Bélgica, a quien conoce desde hace tiempo atrás… apodo que después sería el título del primer solo-show del creador en México.
Platicamos con Willem con respecto a su exposición en nuestro país, inaugurada recientemente en el marco de la GAMA Week 2025.
Lo que nos contó Willem Boel acerca de su arte
Samuel Reyes: Willem, gracias por tu tiempo. Has tenido un movimiento frenético por todo el mundo en este año, incluida una instalación al aire libre en la más reciente edición de Art Brussels y un par de exposiciones individuales también en Europa ¿cómo han sido estos meses? ¿Estabas preparado para todo esto, incluyendo la exposición en la galería Hilario Galguera o te tomó un poco por sorpresa?
Willem Boel: No, no. Yo ya estaba listo para esta exposición desde que conocí a Hilario. Ya estaba esperando esta muestra… además, tienes que saber que hacer mis obras me toma muchísimo tiempo, así que no puedo esperar a recibir una invitación para empezar a trabajar. Debo de tener muchas obras listas. Y cuando llega la invitación para una exposición, entonces puedo escoger las piezas que creo que encajan y están listas para ello.
Aunque existe una obra que hice especialmente para esta exposición, es la pieza que está en la sala grande. Es una obra bastante grande. Es un círculo de 3.60 metros y por esa estaba un poco nervioso porque normalmente no hago obra específicamente para una exposición; pero, en este caso, era un espacio tan hermoso que necesitaba una obra que fuera más grande que nosotros. Algo que superara la escala humana.
SR: La mayoría de tus obras son relativamente del mismo tamaño, ¿correcto?
WB: Una gran parte de las obras que ves aquí son más o menos tamaño humano, porque también requieren mucha acción humana, acción mía, casi a diario.
A estas les vierto pintura encima, así que cuando son muy altas no es práctico. Tendría que subir la escalera diariamente. Y al mostrar esa, se convierte en algo “sobrehumano”, pero nos pone en otra escala como visitantes, como espectadores.
SR: Entiendo. Y, ¿cómo ha sido todo el proceso de Memo?
WB: Tengo que decir que la colaboración con la galería ha sido fantástica. Es un equipo espectacular. Saben lo que hacen. La atención que he recibido en todo momento, incluso antes de la inauguración, ha sido increíble. Es fantástico ver lo que se está moviendo con estas obras y soy muy consciente de que es un momento bastante interesante—quizá no tan fácil—para el mundo del arte internacional.
Y entonces el coraje del equipo de Hilario de mostrar obras como éstas que son, digamos, no muy “accesibles”, que son muy, muy estratificadas, que no tienen solo una explicación. Esa valentía es fantástica. Está abriendo puertas hacia lo que el arte realmente puede hacer. Así que estoy muy agradecido con Hilario y con el equipo por recibirme ahora en la Ciudad de México, lo cual por supuesto para mí es súper emocionante: mostrar aquí en México.
Quiero decir, ahora en Bélgica todos tienen los ojos puestos en mí por esta exposición, al otro lado del mundo. Es una escena artística muy emocionante. A ver qué pasa.
SR: He leído que has hecho varias series diferentes, como seis o siete, que abarcan todo tu cuerpo de obra. ¿Veremos piezas de distintas series o traes solamente algunas relacionadas con una en especial?
WB: Es muy importante que, como exposición de introducción en México, muestre prácticamente todo mi cuerpo de trabajo; creo que eso es importante para entender mejor el alcance de lo que hago, que no se trata solo de aplicar pintura a una superficie, ¿sabes? También se trata de esperar a que algo se seque durante meses. Se trata de la escala de las cosas. Se trata de la intimidad de una gotita de pintura que quedó atrapada en un pequeño trozo de cuerda. ¿Sí? Se trata de las acciones que realizo en todo tipo de obras dentro de mi trabajo.
A veces es pintar con pincel. A veces es añadir papel maché para darle forma. A veces es verter pintura sobre una escultura. Así que todos estos tipos de acciones son muy intencionales y son muy necesarios para mostrar el alcance completo de lo que intento hacer.
SR: Puedo ver—o corrígeme si me equivoco porque estoy más familiarizado con pintores estadounidenses, por ejemplo- ciertos parecidos con Rauschenberg o… pensaba, al ver todo tu cuerpo de obra, que es como si Rauschenberg se encontrara en algunas piezas con Joseph Beuys y también con mucho del expresionismo abstracto de comienzos del siglo pasado. ¿Esas fueron tus inspiraciones o cómo fue para ti convertirte en artista cuando crecías? ¿Cuáles obras influyeron en tu creación, tus colores y tu manera de hacer las cosas?
WB: Es una muy buena pregunta. Tengo que decir que en los primeros dos años de mi práctica, cuando no hacía esto, hacía cosas diferentes. De hecho, estudié diseño gráfico y por entonces mi conocimiento de arte moderno y contemporáneo no era tan grande, lo que pasó fue que, cuando hacía piezas solo a partir de mis propias ideas y de los materiales que encontraba, al ir al museo unos meses después veía esas mismas piezas que yo había hecho… solo que hechas 50 años antes. Y eso me molestaba muchísimo y me puso contra la pared, pensé: “OK, realmente tienes que empezar a hacer tu propio camino; por supuesto, empieza en algún lugar, no importa dónde, y desde ahí avanza en pasos muy pequeños hacia algo que solo tú hayas hecho o pensado”, lo cual, por supuesto, también es imposible.
Quiero decir, yo no inventé verter pintura sobre una estructura. No fui el primero en meter el pincel en un bote y aplicarlo sobre un cartón. Primero quiero decir que la mayoría de las series que desarrollo salen de algún tipo de anomalía en una obra previa de otra serie. Pinto mucho, todos los días pinto, y ese es un momento en el que puedo mirar de verdad mi propio trabajo y el cerebro empieza a trabajar. A partir de algún error o de algo que ocurrió en una obra puedes derivar como un residuo y convertirlo en un cuerpo de obra completamente nuevo, en una serie nueva. Intento inspirarme sobre todo en mi propia obra, lo cual suena un poco egoísta, pero es más bien para protegerme.
Si fuera especialista en Rauschenberg o Jackson Pollock o todos esos artistas fantásticos que vinieron antes que yo, entonces creo que me influenciarían demasiado. Y de esto trata exactamente el título de mi libro y también de mi obra más grande que presenté en Art Brussels. Dice: “Sancho, don’t care”. Al decir “no te importa”, reconoces que has recibido la información, ¿no? Así que esa información está en algún lugar de tu cabeza. Y quieras o no, trabajas con ella. Así que trato de mantenerme un poco alejado de esos gigantes del mundo del arte. Y, por supuesto, hay similitudes, pero esto es inevitable. Creo que lo que intento mostrar es algo universal: acciones que llevan a una imagen. Y esto, por supuesto, es exactamente lo que todo artista antes que yo también ha hecho.
SR: ¿Cómo fue traer estas piezas a México? ¿Cómo fue el transporte? Porque sé que es una parte en constante desarrollo dentro de la conservación del arte contemporáneo: la manera de mantener, por ejemplo, esta pieza, con las manchas, y conservar o preservar eso.
WB: Bueno, lo hice yo mismo. Y, ya sabes, el transporte fue bastante directo, simple: las pinturas las enrollamos. Y también, parecen frágiles, pero como hay tantas capas de pintura, muchas de esas piezas crecieron casi como un árbol, así que son tanto flexibles como fuertes.
Además, ¿qué importa si hay una mancha verde más en algún punto del cuadro, si hay como un pequeño rasguño en alguna parte? Si eso es lo que va a definir tu obra, entonces esa línea de trabajo no es para mí.
En mi práctica siempre he trabajado con materiales que ya tuvieron una vida, que han resistido lluvia y viento, y a veces en mi estudio hace muchísimo frío, a veces hace 40 grados. Así que todos esos elementos juegan su papel en mi obra. Y a veces me gusta decir que mis obras “nacen gastadas”: que ya están, ya llegan con su forma envejecida. Así que esto… como si esta cuerda está aquí, o si la muevo un poquito allá, ¿ves? No cambia el carácter, por supuesto, de lo que estamos mirando.
SR: ¿Ya estabas familiarizado antes de entrar en relación con Hilario y su galería? ¿Estabas familiarizado con el arte mexicano?
WB: He estado algunas veces en México, en CDMX y Aguascalientes. Conocí a Hilario por primera vez hace casi 10 años, para una exposición en Aguascalientes, curada por Nicola Borrillo. Por entonces trabajaba para otro artista belga, Peter Buggenhout, que también estaba representado por esta galería. Y esa fue mi primera introducción a México.
Claro, si visitas un país como este, tan vibrante y tan rico como es, te agarra por la garganta y no te suelta. Si hablamos de colores, materiales, comida, cultura, es muy, muy atractivo para mí. Siento que aquí hay tantas posibilidades y oportunidades. Por ejemplo, otro vínculo que tengo con, digamos, la cultura mexicana: ayer estuve en el Museo de Antropología. Y ahí, por supuesto, se trata mucho del material. Sí. Se trata de cuerdas, piedra y madera y pigmentos. Son cosas muy, muy básicas y si eres capaz de mezclarlas de cierta manera—plumas también, plumas, colores en sí mismos—si las mezclas a tu modo muy especial, es posible que alcances una especie de nivel de belleza absoluta.
Muchas cosas que vi en el museo eran herramientas, herramientas para rituales, herramientas que funcionan como herramientas del hogar, para cocinar o para pescar. Esas redes tan bellas que usábamos para pescar. ¿Ves? Está bastante cerca de cómo abordo mis obras. Encaro mis piezas casi como herramientas: como herramientas para realizar mi acción con ellas o sobre ellas.
SR: Dejando de lado un cuerpo específico de obra, ¿cuáles son los mensajes—digamos—retóricos que más valoras, tus inspiraciones, o en qué temas o mensajes trabajas? ¿Qué cosas en la vida son importantes para ti?
WB: Diría que la idea de poder entrar a mi estudio cada mañana para hacer una especie de serie de acciones sin significado. Porque, en esencia, eso es lo que son: poner pintura del punto A al punto B. Cualquiera puede hacerlo, pero hacerlo de manera continua y lograr imágenes tan llenas de emoción y movimiento y color y verdad… eso es algo que se ha vuelto adictivo para mí, porque estas acciones simples—porque son tan simples, y lucho de verdad por mantenerlas simples—verter, añadir pintura en algún lugar… me permiten tener estas pequeñas vacaciones mentales durante, digamos, una hora todas las mañanas.
Cuando estás lavando los platos, no piensas en el agua o en los platos que estás limpiando. Conoces muy bien esas acciones. Es un automatismo. Entonces, en realidad tienes vacaciones para el cerebro, además, todo el mundo te deja en paz porque ya “estás trabajando”. Así que, de cualquier modo, la tienes. Esto es algo súper importante para mí.
Otra cosa es que siento que apenas estoy al principio de lo que es posible con mi forma de trabajar. Tengo mucha curiosidad por ver dónde estaré en 10 años o 15 o 50 años, porque, como sabes, los artistas nunca se jubilan. Intento ver el concepto del tiempo no como mi enemigo, sino como mi aliado.
Por ejemplo, una de estas obras, creo que la primera acción que hice sobre ella fue hace ya siete años y ahora está aquí, en todo su esplendor. Se ha convertido realmente en una estructura que conozco de verdad, que he visto cientos de veces.
SR: ¿Cuál es tu libro favorito, o serie de libros, o qué te gustaría compartir sobre la lectura?
WB: Ahora piso terreno difícil. Porque uno de ellos es Don Quijote.
SR: Esa es la referencia de Sancho, ¿verdad?
WB: De Sancho, por supuesto. La figura de Sancho Panza me ha dado muchísimo, porque creo que la manera en que afrontó su vida con Don Quijote es muy interesante para los artistas.
Lo que pasó, por supuesto, en el libro—en mi opinión—fue que Don Quijote le prometió un pedazo de tierra, un gran pedazo de tierra, a Sancho Panza si lo ayudaba en el camino y Sancho pensó: “OK, sé que este tipo está loco, ¿no? Pero veamos qué pasa. Iré en todas estas aventuras y, si va en serio, al final tendré mi propia gran porción de tierra y seré rico y el jefe”. Así que me hago esa promesa a mí mismo: que veré algo al final. Y en el camino será fantástico. Tendré las aventuras más locas, buenas y malas. Todas las emociones del espectro.
Y esto es algo que creo que los artistas también hacen, o deben hacer. Tienes que prometerte algo en el futuro que será fantástico. Porque no sé si todo el mundo entiende realmente, pero antes de que yo hiciera esta pieza, esta pieza no existía en absoluto. Era mirar este piso. ¿Así que nada de esto existía? Así que estoy aquí, haciéndome la promesa de que habrá algo, quizá como esto, en el futuro. Por eso estos personajes, tanto Don Quijote como Sancho Panza, me resultan tan atractivos: porque hacen eso. Y otro es, por supuesto, uno que llevo muy cerca del corazón. Fue la base de todo lo que hago. Y hablando del tiempo, es La obra maestra desconocida, de Honoré de Balzac.
SR: Es el nombre de una de tus series, ¿“Le Chef-d’œuvre inconnu”?
WB: Exacto. Sí, en efecto. En esta historia—te la cuento muy breve—se trata de un pintor que era considerado súper talentoso cuando era joven. Pero no le suponía ningún esfuerzo hacer los paisajes más bellos o un desnudo recostado o un jarrón con flores o lo que fuera; era el mejor, era tan talentoso. Y con un toque de su pincel era como si pudieras comerte la manzana del cuadro, en cierto momento pensó para sí: “Esto es tan fácil… ¿qué pasaría si, para mi próxima pintura, doy lo mejor de mí? ¿Qué sería eso?”.
Se lo dice a sus amigos, y sus amigos enloquecen, por supuesto, porque sería como si, Messi, el futbolista, dijera: “OK, para mi siguiente partido voy a dar lo mejor”. Y marca 25 goles, algo así. Ese nivel de pensamiento. Así que se emocionan, y él empieza su pintura y es un desnudo recostado. Y lo que pasa es que, por supuesto, se encuentra consigo mismo: cuando tienes que dar lo mejor, tienes que poner todo lo que tienes en esa pintura… pierde apoyo y sus amigos dejan de creer en él porque toma demasiado tiempo, y pasan 30 años antes de que se vuelvan a encontrar.
Los amigos ya no son pintores; ahora son médicos, abogados, lo que sea. Y se ríen un poco de él, como: “Mira, mira, ahí está nuestro viejo genio, ¿no? Preguntémosle cómo va esa pintura”. Y él dice: “Sí, está casi terminada”. Y ellos, claro, muy sorprendidos: 30 años y “casi terminada”. ¿Cómo es posible? Y los lleva por unas escaleras a su estudio y entran, y está atiborrado de las pinturas más fantásticas que hayan visto. Y empiezan a felicitarlo. Pero él dice: “No, no, no, todo esto es basura, son estudios, no los miren; aquí está mi obra”, dice. Y ellos están mirando algo que no pueden entender, que no saben dónde ubicar.
Porque, claro, si pintas sobre algo durante 30 años, deja de ser una superficie plana. Se convierte en una escultura tridimensional de pintura. Y no sé si puedo explicarlo, pero a veces, cuando abro una lata de pintura, me siento como Neo de Matrix: como si pudiera saborear las moléculas de la pintura y predecir cómo actuará sobre la superficie, ¿sabes? Así que él intentó mejorar y mejorar y mejorar y destruir y mejorar esa pintura. Y miró a esos dos amigos y vio en sus ojos que no entendían que había logrado algo nuevo, algo de otro mundo, algo completamente y absolutamente nuevo respecto a lo que se consideraba arte contemporáneo en ese momento. Y entonces ellos salen del estudio y él se queda allí. Le prende fuego al estudio y se suicida.
Por supuesto, si vuelves a leer este libro, verás que la historia no es del todo exacta porque la he contado tantas veces, y esto también es algo súper interesante: que he ido cambiando la historia en mi mente al contarla. Así que estos pequeños cambios lentos, con el tiempo, son esenciales en mi trabajo. Y gracias a leer ese libro entendí lo que podía ser ser artista: elegir un camino en cierta dirección y seguirlo, y a veces ir a la izquierda o a la derecha o en pequeños pasos, pero ser persistente.
SR: Por supuesto.
WB: No importa lo que la gente piense de tu obra. Y en cierto momento tendrás un cuerpo de trabajo de 15 años y tendrás una exposición individual en la Ciudad de México. Eso es todo. Así que esos dos libros son esenciales para mí.
SR: Gracias por tu tiempo, Willem.
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Memo, la impactante muestra en solitario de Willem Boel se encuentra en la galería Hilargio Galguera, ubicada en Francisco Pimentel 3, San Rafael, Cuauhtémoc, 06470 Ciudad de México, CDMX, abre de martes a sábado.
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